Ein Konzert der Subways ist meist recht kurz, aber heftig. Sänger und Leadgitarrist Billy Lunn, Bruder und Schlagzeuger Josh Morgan und die Bassistin Charlotte Cooper verausgaben sich immer voll und ganz. Die Subways allein zu sehen, würde gerade bei den günstigen Konzertticketpreisen von unter 20 € schon reichen. Es gab aber noch zwei Bands zusätzlich zu sehen. Als Support waren in der Live Music Hall Blackmarket und Twin Atlantic angekündigt.

Blackmarket hinterließen einen guten Eindruck. Die Indie-Rock-Songs der Jungs aus Arizona (USA) waren wunderbar rockig und eingängig. Auch abseits der Bühne stellten sich Blackmarket als umgängliche Typen heraus, die auch mal ein Schwätzchen mit den Fans riskieren. Kleine Story am Rande: Ein paar Freunde von mir besuchten gleich drei Konzerte der Subways, was Blackmarket nicht verborgen blieb. Vor dem Konzert in Köln wurden sich auch prompt von Blackmarket angesprochen. Normalerweise ist das ja eher umgekehrt. Sogar die Setlist wurde leicht geändert, damit bei den Dauergästen keine Langeweile aufkommt.

Twin Atlantic enttäuschte dagegen. Die Band aus Glasgow sah nicht nur optisch scheiße aus, sie wusste auch nicht, was sie eigentlich für Musik spielen wollte. Mit sehr viel Wohlwollen könnte man ihren Output mit dem von System Of A Down vergleichen. Gute Ansätze waren immerhin vorhanden, doch sobald man ein Konzept erkannte, ging es wieder in eine andere Richtung oder es wurde einfach nur übel laut. Naja, ich stelle den Auftritt von Twin Atlantic mal als misslungenes Experiment dahin.

Nach dem Lärm wurde dem Publikum dann endlich gezeigt, wie man richtig gut laut ist. Die Subways betraten energiegeladen die Bühne. Der Opener Kalifornia war gleich der optimale Einstieg, um die Vorband vergessen zu machen. Dann ging es gute 70 Minuten zur Sache. Bassistin Charlotte machte den Flummi und hüpfte, wenn sie mal nicht ihre süße Stimme ertönen ließ, quer über die Bühne. Billy kam gleich ohne T-Shirt auf die Bühne, wohlwissend, dass ein Shirt bei so viel schweißtreibender Arbeit nur lästig wird. Er sang durchgehend kraftvoll und ließ seine Klampfe melodisch kreischen. Schlagzeuger Josh neuerdings mit kurzen Haaren malträtierte sein Schlaginstrument ohne Nachlass.

Auch im Publikum ging es ab. Es wurde fleißig mitgesungen und – was ich als eine Unsitte empfinde – ordentlich gepogt. Warum beschränkt man sich nicht auf`s Hüpfen, Springen oder ausgelassen Tanzen? Neuerdings muss man wohl noch eine Woche nach einem Konzert körperlich spüren (und sehen), dass man es besucht hat. Ganz vorne rechts direkt vor Charlotte, ging es noch einigermaßen gesittet zu, und bei dem Anblick und der klasse Musik kann einen eh nichts die Seele trüben. Auf Billys “fucking crazy”-Skala gab es für`s Kölner Publikum nach anfänglicher 9 dann doch eine 10.

Die Songauswahl war gut, eine schöne Mischung aus beiden Alben der Subways. Ruhigere Lieder waren allerdings kaum vertreten. So waren die gut 70 Minuten schnell vorbei. Am Ende machte Billy noch seinen obligatorischen Stagedive und schaffte es auf den Händen des Publikums bis zur gegenüberliegenden Bar. Nach dem Konzert signierte Billy dann noch fleißig CDs und T-Shirts, ließ sich mit Fans fotografieren und plauderte mit seinen Anhängern. Es ist schon faszinierend, dass diese “Bühnensau” nach dem Konzert so nett und umgänglich ist. Sehr sympathisch! Ich freue mich schon auf`s nächste Konzert, wann auch immer. An einem neuen Album wird laut Billy schon gearbeitet …

Quelle: Mediensucht Weblog

Vorgestern baten die Raconteurs also zu ihrem einzigen Deutschlandkonzert der aktuellen Tour nach Berlin. Huxleys Neue Welt war mit ca. 1500 Zuschauern/-hörern nahezu ausverkauft. Damit komme ich auch gleich zum Negativen des Konzerts. Das Huxleys bietet zwar als mit Stuck verzierter alter Veranstaltungssaal ein schönes Ambiente, die parallelen Wände und die breite Fensterfront sind aber eher schlecht für die Akustik. Der Tontechniker verstand es nicht, mit dem Raum zu arbeiten. Überhaupt ist sein Werk als schlecht zu bezeichnen. Die Instrumente schienen auf ein White Stripes-Konzert eingestellt zu sein, wo es ja darauf ankommt, mit einer begrenzten Anzahl an Instrumenten (2) ein Maximum an (Raum-) Klang zu erzeugen. Hier versuchten sich nun die fünf Instrumente gegenseitig zu übertönen, was zu einem akustischen Durcheinander ohne Differenzierung führte. Es gab Übersteuern und Verzerrungen, die es dem Zuschauer nicht einfach machten, das Konzert vollends zu genießen. Die Lightshow kann man ebenfalls als uninspiriert bezeichnen. Immerhin war das Bühnenbild nett

Nun aber zum positiven Rest: Jack White steckte voller Kraft. Ihm machte es sichtlich Spaß, mit einer ganzen Band (die vier Raconteurs wurden noch durch einen Keyboarder ergänzt) zu spielen und nicht als Alleinunterhalter gegen die begrenzten Möglichkeiten seiner Schlagzeugerin anzuspielen. Den Gesang teilte er sich mit Brendan Benson fast brüderlich zu etwa gleichen Teilen, wobei sich die melodiöse Country-Stimme von Benson und die schrillere Rockstimme Whites prima ergänzten. Überhaupt klappte das Zusammenspiel der ziemlich gegenteiligen Gestalten ausgezeichnet. Hier der hagere, blondgelockte Bluesrocker, dort der kräftige, hochgewachsene und in Schwarz gekleidete Garagenrocker. Musikalisch ging es live eher in Richtung White Stripes. Die sanften Bluesnummern der Alben wurden kaum gespielt oder so verrockt, dass sie ins härte Konzertkonzept passten. Höhepunkt war sicherlich die erste Single der Band Steady, As She Goes etwa in der Mitte des Konzerts, bei der der Saalboden vom Hüpfen der Massen erbebte. Nach intensiven und guten 85 Minuten inklusive einiger Zugaben war dann Schluss. Wäre die schlechte Akustik nicht gewesen, hätte man von einem großartigen Konzert sprechen können. So ergibt sich nur das Gesamturteil „gut“. Es bleibt zudem die Erkenntnis, dass es mit Jack White wohl auch ohne die White Stripes erfolgreich weitergeht.

Anmerkung: Die Vorgruppe Earthbend aus Finsterwalde konnte man sich anhören, sie hinterließ aber keinen tieferen Eindruck.

Quelle: Mediensucht Weblog

Veronica ist die Tochter des ehemaligen Sheriffs Keith Mars, dem sie nach der Schule bei seiner aktuellen Arbeit als Detektiv hilft. Von ihm hat sie sich so einige Tricks abgeschaut, weshalb sie ein gewisses Talent hat, Dinge wiederzufinden oder Rätsel zu lösen. Sie ist an ihrer Schule zwar nicht sonderlich beliebt, man bittet sie aber oft um Hilfe. Neben kleineren Fällen, die meist innerhalb einer Folge gelöst werden, gibt es ein großes, staffelumfassendes Ereignis, das die Protagonisten beschäftigt. So geht es in der ersten Staffel um nichts Geringeres als den Mord an Veronicas bester Freundin Lilly und das Verschwinden ihrer Mutter im Zusammenhang mit den Ereignissen um den Mord. Diese Kriminalfälle sorgen zunächst für ordentlich Spannung, doch Veronica Mars ist weit komplexer. Die Serie spricht beispielsweise gesellschaftliche Themen an, wie den Wegfall der Mittelschicht in der (fiktiven) kalifornischen Stadt Neptune. Man gehört entweder zur Oberschicht oder man arbeitet für sie. Das trifft sowohl auf die Erwachsenen zu als auch auf den Mirkokosmos einer Schule.

Ein weiterer Pluspunkt der Serie ist der mir sehr zusagende Humor. Er ist eine wunderbare Mischung aus Zynismus und Ironie, gespickt mit vielen Zitaten aus der Popkultur. So ist auch der Soundtrack als schlicht brillant zu bezeichnen, trifft er doch genau meinen Geschmack. So richtig mitgerissen von der zu bewegten Bildern verwendeten Musik wurde ich zuletzt bei Garden State. Von Zach Braff gibt es aber keine Spur weit und breit! Schön auch, dass sich die „Helden“ in Veronica Mars die „richtigen“ Filme ansehen oder aus ihnen zitieren – beispielsweise The Big Lebowski oder eben Garden State.

Noch ein paar Worte zu den Schauspielern: Kristen Bell ist Veronica Mars. Die Besetzung kann man als „perfekt“ bezeichnen! Bell verkörpert diese rebellische Außenseiterin mit ihren Gefühlen und Macken ausgezeichnet. In den Nebenrollen ist zuweilen Prominenz aus der amerikanischen Serienwelt zu bewundern. So wurden etwa Richard Grieco (21 Jump Street/Booker), Robert Maschio (SCRUBS) oder die bezaubernde Alyson Hannigan (HIMYM) besetzt. Einige Kritiker meckern an der deutschen Synchronisation, die meines Erachtens aber nicht so schlecht ist. Die „süße“ Stimme von Bell wird von Manja Döring natürlich nicht getroffen, größere Fehler konnte ich aber nicht ausmachen. Die Synchronsprecherriege ist durchaus namhaft, so wird Veronicas Vater Keith (Enrico Colantoni) etwa von Detlef „George Clooney“ Bierstedt gesprochen.

Leider wurde Veronica Mars nach einer leicht verkürzten dritten Staffel eingestellt. Es gab zwar noch einen Trailer zur vierten Staffel, in der Veronica beim FBI anfangen sollte, zur Umsetzung kam es aber leider nicht mehr. Die Zuschauerzahlen waren wohl doch zu schlecht, da halfen auch leichte konzeptionelle Änderungen in der dritten Staffel nichts. Über deren Wert wird unter den Fans gestritten. Mit einer Konzentration auf die einzelnen kleineren Fälle sollte spontaneren Zuschauern ein Zugang zur Serie geschaffen werden. Insgesamt wirkte sich der große Pluspunkt der staffelübergreifenden Komplexität der Handlung wahrscheinlich doch zu negativ aus. Dass die Verunstaltung des Titelsongs in der dritten Staffel zum Aus führte, sind nur Gerüchte!^^ Qualität setzt sich leider nicht immer durch. Die Sichtung der drei Staffeln Veronica Mars lohnt aber in jedem Fall, aber bitte von Folge 1 an!

LE … GEN … wait for it … DARY … !!!

Makabu
Die Thüringer Makabu machten den Anfang. Die von Pate Clueso angekündigte Band aus Erfurt bot guten englischen Softrock mit einer ordentlichen Prise Melancholie. Insgesamt vielleicht etwas eintönig und für den Anlass auch zu wenig mitreißend, dennoch sollte man die Ohren für diese Newcomer offen halten.

Clueso
Clueso heizte die Stimmung in der Halle dann tüchtig an und spielte seltsamer Weise am längsten von allen Acts. Die Mischung der Songs stimmte, auch wenn mich teils die Interpretation der Stücke störte. Out of Space wurde beispielsweise zu einem Steigerungslauf ohne Höhepunkt degradiert. Alles in allem aber eine ordentliche knappe Stunde Show.

Soko
Mieze von Mia kündigte dieses äußerst schüchtern wirkende Girlie Soko aus Frankreich an. Was die zierliche Französin, die eigentlich Stéphanie Sokolinski heißt, dann aber auf der Ukulele, dem Keyboard und am Schlagzeug solo ablieferte, war vielleicht die Überraschung des Abends. Die Musik ging von „soft“ bis „Party-Mucke“, und die Texte hatten sich gewaschen. Die Dame hatte es faustdick hinter den Ohren. Die besungenen Themen gingen von Rache bis Sex. Da Soko auch Schauspielerin ist, liegt der Verdacht nahe, dass diese Mädchenattitüde nur Show ist – dann allerdings eine verdammt gute!

Mia
An Mia hatte ich die geringsten Erwartungen an diesem Abend. Ich hörte sie vor Jahren bei einer anderen Jubiläumsveranstaltung, wo sie ganz übel klangen. Der Tonmann mit Hörschaden wurde wohl verbannt, so dass es diesmal am Sound nichts auszusetzen gab. Die Berliner lieferten sogar eine gute Show ab. Über das Gelaber von Mieze kann man denken, was man will, musikalisch war der Auftritt aber erstklassig!

Jennifer Rostock
Diese Band kannte ich vorher nicht. Ich wusste nur, dass Jennifer Rostock bei Raabs Bundesvision Song Contest beteiligt waren und eine Art Punkrock spielen würden. Auch hier wurde ich positiv überrascht. Das war wunderbar eingängiger deutscher Rock und die dünne, mit einem Werkzeugkasten behangene Sängerin machte ordentlich Stimmung.

The Subways
Für viele Zuhörer waren The Subways der Höhepunkt des Abends. Ich kannte die drei jungen Hüpfer von der Insel nicht namentlich, nur ihre Songs Oh Yeah aus einer Boss-Werbung und Rock & Roll Queen aus dem Film Stirb Langsam 4.0 vom Hören. Dass die Indierocker so derartig abgehen, hätte ich wiederum nicht erwartet. Auch hier scheint es sich um gespaltene Persönlichkeiten zu handeln. Auf der Bühne die absoluten Rampensäue, Gitarrist und Sänger Billy und Schlagzeuger Josh (Brüder) mit freiem Oberkörper und nach dem Gig das Schlagzeug zerstörend, Bassistin Charlotte (mit Billy verlobt) wild herumspringend, gaben nach der Veranstaltung als einzige Band ganz brav und nett Autogramme und ließen sich mit Fans ablichten. Sehr sympathisch! Und verdammt geile Musik!

Fettes Brot
Nach den wilden Subways ging es wieder etwas ruhiger zur Sache. Gewohnt routiniert spulten die Brote (unterstützt von Pascal Finkenauer) ihr Kurzprogramm ab und sorgten für einen angemessenen Abschluss. Die Bässe wummerten und die Halle ging ausgelassen mit. HipHop, live dargeboten mit einer Band, die echte Instrumente spielt, ist immer ein doppelter Genuss im Vergleich zum Studioalbum.

Wie man an meinen überaus positiven Worten erkennen kann, war der Konzertabend äußerst gelungen, vom genialen Preis-Leistungsverhältnis ganz zu schweigen! Danke, fritz! Ich höre dennoch weiter RadioEins

(erschienen beim Mediensucht WebLog)

Laut Gerüchteküche steckt Herr Kravitz nach einem Hänger durch den Tod seines Vaters 2005 wieder voller Energie, so dass er ganze zwei Jahre auf Tour gehen will. Es bleibt natürlich abzuwarten, ob es letztendlich wirklich zwei Jahre werden, gestern gab Kravitz zumindest ein kurzfristig angesetztes Konzert (das erste der neuen Tour) in der Berliner Columbiahalle, obwohl er die letzte Zeit im Krankenbett zubringen musste. Er scheint aber so heiß zu sein, sich auf der Bühne zu produzieren, dass er unbedingt in Berlin spielen wollte.

Eine Vorband gab es, aus welchen Gründen auch immer, nicht! Mit großem Jubel betrat Kravitz die Bühne und rockte gleich ordentlich los. Die erste halbe Stunde bestand dann auch nur aus waschechten Rocksongs und es ging zügig vorwärts. Kravitz erzählte zwar etwas von einer gemütlichen Jamsession, dazu sollte es aber erst später kommen. Etwas wundersam war, dass Kravitz hauptsächlich alte Songs wie Mr. Cab Driver spielte. Vom neuen Album gab es nur I’ll Be Waiting zu hören, der allerdings in der Maxi-Maxi-Version. Der Tour-Titel The Love Revolution war dennoch gerechtfertigt, da Kravitz nicht müde wurde seine Botschaft der „Love-Revolution“ zu verkünden, aber das kennt man ja schon länger.

Kurz vor Ende des Konzertes wurde dann wie üblich Let Love Rule in einer megalangen Variante gespielt und jetzt kam es tatsächlich zur Jamsession. Es wurde mächtig gejammt. Mit der Stimme von Kravitz ging es aber bergab, so richtig fit war er wohl noch nicht. So durfte das Publikum den Meister noch einige Zeit am Schlagzeug bewundern, auf das er gekonnt einschlug. Das war dann also der Beweis, dass Kravitz wirklich jedes Instrument auf seinen jüngeren Alben selbst einspielte. Als Zugabe wurde traditionell Are You Gonna Go MY Way? gerockt, für mehr als knapp 100 Minuten Konzert reichte die Kondition von Kravitz leider nicht. Trotz kleiner Mängel war es wieder einmal ein klasse Lenny Kravitz-Konzert. Ich hoffe doch sehr, Mr. Kravitz schaut im Sommer nochmals in der Hauptstadt vorbei …

(erschienen beim Mediensucht WebLog)

Gestern war es dann also soweit. Jimmy Eat World machten auf ihrer Tour in Berlin halt (Huxleys Neue Welt). Zum wiederholten Mal in letzter Zeit hinterließ eine Vorband einen äußerst positiven Eindruck. SPARKADIA aus Australien spielten eine knappe halbe Stunde gut hörbaren Alternative Rock mit erkennbarem eigenen Stil, was heutzutage eher eine Seltenheit ist. Die drei Herren mit Dame sollte man im Auge bzw. Ohr behalten.

Nach zügigem Umbau betraten dann die vier Herren aus Arizona (USA) die Bühne und präsentierten ein musikalisch abwechslungsreiches Programm. Als angebliche Vertreter des Emo (emotional Hardcore) gab gerade Frontmann Jim Adkins alles und zeigte sich tatsächlich heftig emotional. Nach schon kurzer Zeit war er so durchnässt, dass man ihn mit einem Wasserfall hätte verwechseln können. Mit bis zum Ende klarer Rockstimme schmetterte er sich durch softere und harte Stücke aus dem neuen Album Chase This Light und einigen ausgewählten älteren Stücken.

An Show wurde bis auf ein paar nette Lichteffekte nichts geboten, was man bei dem Preis eigentlich auch nicht verlangen konnte. Nach einer knappen Stunde war das Hauptprogramm durch. Der Beifall und die Zugabenrufe waren für Berliner Verhältnisse ziemlich verhalten. Haben Jimmy Eat World vielleicht gar nicht so viele Hardcore-Fans und bestand das Publikum eher aus vielen „gemäßigten“ Fans? Eine Zugabe gab es dennoch und die bestand aus immerhin fünf zusätzlichen Songs. Da als letztes Stück dann doch noch The Middle gerockt wurde, war ich vollends zufrieden. Ich war sogar noch zusätzlich froh, dass es ein eher kürzeres Konzert war, weil ich deshalb noch die letzte Tram vor dem Streikbeginn der BVG bekam und nicht Stunden im Regen nach Hause laufen musste.

Es war übrigens mein erstes Konzert, auf dem Rauchverbot herrschte. Einige Trottel hielten sich zwar nicht daran, mit den vereinzelten Schwaden wurde die gute Klimaanlage aber fertig. Schön also, dass man nach einem Konzert keine Kopfschmerzen mehr haben muss und nicht völlig verqualmt nach Hause kommt. Ebenso schien die bessere Luft während der Tour den Stimmen der Künstler gut zu bekommen. Die klangen bis zum Ende gut. Ich bin froh über das Rauchverbot!

(erschienen beim Mediensucht WebLog)

Liebesfilme gibt es viele. Zudem sind sie fast immer ähnlich aufgebaut. Ein potentielles Paar lernt sich kennen, muss eine Krisensituation überstehen und findet am Ende doch wieder zusammen. Ähnlich verhält es sich auch bei Märzmelodie. Entscheidend ist aber eine spezielle Idee in der Umsetzung oder in der Geschichte, die den Film vom Einheitsbrei absetzt, die ihn zu etwas Besonderem werden lässt. Diese Idee scheint Regisseur und Drehbuchautor Martin Walz gehabt zu haben.

Grundschullehrerin Anna kommt mit ihren Schülern nicht zurecht. Ihr wird das Leben zur Hölle gemacht, sie ist nervlich am Ende. Der Schauspieler Thilo versucht erfolglos eine gute Rolle zu bekommen und muss sich mit einem Telefonjob als Weinverkäufer über Wasser halten. Der Versuch ihrer Freunde, die beiden tragischen Figuren miteinander zu verkuppeln, scheitert vorerst auf seltsame Weise …

Auch diese Geschichte verläuft nach Schema F. Doch hier kommt die kleine, aber feine Idee ins Spiel. Wie aus dem Nichts fangen die Protagonisten des Films plötzlich an, Playback zu kurzen Passagen aus deutschen Schlagern zu singen. Das wirkt im ersten Moment etwas befremdlich und könnte aus einem Sketsch der Monty Pythons stammen. Nach den zwei Zeilen Schlagertext geht es stur weiter im Programm, als wäre nichts gewesen. Nach kurzer Zeit gewöhnt man sich aber daran und erheitert sich bei jedem Schlagerintermezzo, wenn man es nicht schon von Anfang an komisch fand.

Als Repertoire dienen Schlager aus fünfzig Jahren deutscher Musikgeschichte. Das fängt an mit Zarah Leander und führt über Udo Lindenberg und Rio Reiser bis zu den Wise Guys. Frei nach dem Motto „Die Musik erzählt die schönsten Liebesgeschichten“ werden zwei oder drei prägnante Textzeilen aus den Songs genommen und den Schauspielern in den Mund gelegt. Dabei unterscheidet sich diese Herangehensweise klar von einem Musicalfilm, wo ganze Lieder von den Schauspielern gesungen werden.

Um auf dem Boden der Tatsachen zu bleiben, muss man natürlich sagen, dass so eine Idee noch keinen guten Film macht. Doch auch hier punktet Märzmelodie mit den genreüblichen Elementen. Die Hauptcharaktere sind sympathisch bzw. nett-verschroben. Alexandra Neldel spielt fast herzzerreißend bemitleidenswert die gequälte Lehrerin. Jan Henrik Stahlberg glänzt als unbeholfener Weinverkäufer mit schrägem Tick. Das Setting zwischen Schicki-Micki-Schauspieler-Milieu und Bierkneipe weiß zu gefallen. Alles wirkt trotz komödienüblicher leichter Überzeichnung relativ authentisch.

Märzmelodie ist keine Revolution der Liebesfilme, erfreut aber mit einer netten Idee, liebenswürdigen Figuren und einer charmanten Umsetzung. Märzmelodie ist mal wieder eine locker-leichte Liebeskomödie aus deutschen Landen, die insgesamt zwar wenig Aufsehen erregen wird, aber so originell und sympathisch ist, dass es mir eine Empfehlung wert ist.

(Die Besprechung bezieht sich auf das Original mit durchsichtigen Untertiteln)

8/10 Pillen zur Entwöhnung

(auch auf kino.de)

Independentfilme sind zumeist „kleine“ Filme: Sie sind mit geringem Geldeinsatz und unter hohem Zeitdruck hergestellt, dafür gehen sie kreativ mit ihren Geschichten um und erzählen, ohne den Hollywood-Erzählmustern zu folgen. (wikipedia)

Soweit die Definition aus dem Onlinelexikon. Die Vor- und Nachteile scheinen angesprochen. Ähnlich verhielt es sich tatsächlich mit Once, einer Independentproduktion aus Irland. Das Geld reichte gerade für eine DV-Kamera, der Film wurde in nur zwei Wochen abgedreht. Die Geschichte ist einfach, die Schauspieler unerfahren und dennoch funktioniert der Film und heimste schon auf mehreren Festivals Preise ein.

Ein Straßenmusiker mit Gitarre, der mit der Musik seinen Lebensunterhalt aufbessert und eigentlich Staubsauger repariert, trifft eine Blumenverkäuferin mit Emigrationshintergrund, die nebenbei putzt und damit versucht, ihre Familie zu versorgen. Ihr gefällt seine Straßenmusik. Es stellt sich heraus, dass sie relativ gut Klavier spielen kann, so dass sie schnell zusammenfinden und eine CD aufnehmen wollen. Beide Protagonisten versuchen mit ihrer Musik ihre verflossenen Lieben aufzuarbeiten und kommen sich dabei näher.

Der Film lebt durch seine Musik. Die Lieder im Songwriter-Stil sind einfühlsam und wirken echt. Komponist Glen Hansard übernahm nach der Absage des ursprünglichen Schauspielers die Hauptrolle des Straßenmusikers gleich selbst, was dem Film sehr gut steht. Irischer Charme und die Bodenständigkeit machen ihn ziemlich sympathisch. Ebenso verhält es sich mit seinem Gegenüber. Die tschechische Pianistin wird von Markéta Iglová gespielt, die wahrlich nicht aus dem Model-Katalog entstammt. Da sich beide Schauspieler wohl schon vorher kannten, stimmt die Chemie, was man in jeder Sekunde des Filmes merkt.

Die Liebesgeschichte ist im Vergleich zu den üblichen Hollywoodproduktionen sehr feinsinnig und zurückhaltend inszeniert. Besonders bemerkenswert war für mich die Szene des ersten musikalischen Zusammenspiels der beiden Hauptfiguren. Unterstützt durch die sensible, aber auch kraftvolle Musik öffnen sie ihr Inneres, teilen gemeinsamen Schmerz, finden über diese emotionalen und musikalischen Gemeinsamkeiten zueinander. Eigentlich einfach gemacht, aber sehr wirksam und eindrucksvoll.

Die Bilder wirken dagegen billig. Der Film sieht fast einem Dokumentarfilm ähnlich. Auf Ausleuchtung wurde ganz verzichtet. Es wackelt gewaltig. Schöne Kinobilder sind aber etwas anderes. Manchem mag dieser vermeintlich authentische Stil gefallen, meiner Philosophie entspricht er nicht. Gerade Kinobilder sollten auch Kinobilder sein. Man nimmt schließlich als Musiker auch eine CD auf und beschränkt sich nicht auf eine Audiokassette.

Das Schöne an Independentfilmen ist, dass sie, wie oben schon erwähnt, auf übliche Hollywoodmuster verzichten. Eine Liebesgeschichte lebt also beispielsweise durch die Darsteller oder durch die Musik. Dieses Konzept geht auch weitestgehend auf, nur leider wirkt sich dieser vermeintliche Vorteil zum Ende hin als etwas zu nerviges Detail aus. Die Musik, die doch eigentlich die Geschichte transportieren sollte, stellt sich in den Mittelpunkt. Sie übertönt jede Szene, verkleistert die zuvor so liebevoll inszenierten Nuancen der Beziehung, macht die Liebesgeschichte viel zu pathetisch und schwülstig. Das hat mich dann doch etwas verstört zurückgelassen.

Insgesamt ist Once ein schöner Musiker-Film. Die Geschichte ist liebenswert und ungewöhnlich erzählt, die Atmosphäre stimmt trotz mangelhafter Optik. Leider suhlt sich der Film gegen Ende hin in seiner Unabhängigkeit, vergisst seine Zurückhaltung und wird pathetisch und überzeichnend. Schade!

7/10 Pillen zur Entwöhnung

(auch auf kino.de)